Author Archives: Takaaki KJ

CONVOCATORIA INTERNACIONAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO: DE BOGOTÁ A TOKIO

Takaaki KJ Proyectos curatoriales con el apoyo de I love you project de la Tokyo University of the Arts (Tokyo Geidai) convoca a artistas residentes en la ciudad de Bogotá, Colombia, que tengan interés en participar en la exposición “Arte y reflexión desde un territorio desarticulado” (título provisional) que se llevará a cabo inicialmente en la ciudad de Tokio (Japón), en una muestra que se realizará entre el 1-7 de junio de 2020 en la sala expositiva de dicha universidad.

LÍNEA CURATORIAL:

Las propuestas deberán contemplar las prácticas del arte contemporáneo y plantear una investigación o reflexión sobre diversas preocupaciones sociales o creativas tanto a nivel cotidiano como global.  

Curaduría: Jennys Obando, Takaaki KJ

FECHAS IMPORTANTES:

2 DE MARZO, 2020: PUBLICACIÓN DE LA CONVOCATORIA

15 DE ABRIL 2020: CIERRE DE LA CONVOCATORIA

25 DE ABRIL 2020: PUBLICACIÓN DE ARTISTAS SELECCIONADOS

1 AL 10 DE MAYO 2019: ENTREGA DE OBRAS EN LA CIUDAD DE BOGOTÁ

1 DE JUNIO 2020: INICIO DE EXPOSICIÓN

4 DE JUNIO 2019: FINAL DE EXPOSICIÓN

INSCRIPCIÓN:

-La convocatoria está dirigida a artistas de cualquier nacionalidad, que residan en Bogotá.

-Los aspirantes tendrán que enviar un correo electrónico a convocatoria2020@takaakikj.com con los siguientes documentos en un solo archivo PDF.

  1. Tres (3) imágenes de la obra propuesta.

  1. Abstracto o justificación conceptual del proyecto.

  2. Portafolio con un mínimo de 3 proyectos y CV.

ESPECIFICACIONES DE LA OBRA:

-La pieza de arte deberá ser bidimensional, en cualquier lenguaje o técnica (dibujo, pintura, fotografía, video, técnica mixta, etc.) y no debe superar la dimensión de 50 cm x 50 cm.

-La obra debe entregarse enmarcada, o en una condición apropiada para transporte aéreo internacional.

-La obra debe entregarse con certificado de autenticidad firmado en original por el artista o representante del colectivo.

-Todas las obras tendrán que entregarse en físico en la ciudad de Bogotá en la Galería CASADUCUARA (Carrera 26 #50-94) dentro de las horas establecidas.

DEVOLUCIÓN DE LA OBRA:

Julio 2020, Ciudad de Bogotá en las instalaciones de la Galería CASADUCUARA.

OBLIGACIONES DEL ARTISTA SELECCIONADO:

-Los artistas ceden los derechos de uso de las imágenes para catálogos y publicidad de los eventos de exposición, que se desarrollen en Japón o en Colombia.

-La aplicación a la convocatoria es totalmente gratuita.

-Los artistas seleccionados deberán registrar bajo su responsabilidad las obras con el MInisterio de Cultura de Colombia por la legalización de su salida temporal, este se podrá hacer en el siguiente link:

https://www.mincultura.gov.co/areas/patrimonio/patrimonio-cultural-mueble/Paginas/tramites-y-servicios.aspx

OTROS DETALLES A TENER EN CUENTA:

-Takaaki KJ Proyectos curatoriales, entidad independiente y autogestionada, no se hace responsable por el posible deterioro o pérdida de la obra expuesta.

-Las propuestas que no cumplen con los criterios arriba mencionado no se aceptarán.

-Los artistas que se postulen en la convocatoria se acogerán a todas las condiciones antes mencionadas, por ende el veredicto de los artistas seleccionados será inapelable.

Regístros fotográficos, HABITAR/DESHABITAR

Habitar/deshabitar
Galería Casa Ducuara (Bogotá, Colombia)
18 de octubre – 9 de noviembre, 2019.
Artistas: Ana Galvis, Aura Cristina García, Adriana Peláez, Bairo Martínez, Carlos Camacho, Cinthya Escorcia, Javier Vega, Juan Osorio, Fernando Rodríguez, Fabienne Le Blevec, Janneth Rubio, Nathalia López Zambrano, Mia Siabatto, Miguel Castel, Mauricio Ojeda
Montaje: Estey Ducuara, Jaime Pérez
Revisión textual: Carolina Durán, Diego Cruz
Curaduría: Takaaki KJ

ラテンアメリカ・コンテンポラリーアートからの衝撃

2018年(セルバンテス文化センター東京)、2019年(Art Trace Gallery)と2年連続でラテンアメリカのコンテンポラリーアート展を東京で開催することができた。関係者およびご来場いただいた方々に深く感謝したい。これら二つの展示を通じ多くの知己を得ることができ、また展示内容や作品についてさまざまなコメントをいただいた。いただいた言葉のなかで特に多くかつ印象に残ったのは展示作品の「社会性」に関するものだった。何人かのアーティストや美術関係者の意見によれば日本のコンテンポラリーアートには「社会」的な表現が欠けている。日本人作家の技巧に意を凝らすことに終始する作品を見慣れた目には、ラテンアメリカのアートにおける表現の苛烈さや直截性はとても新鮮だということだった。

ところで、美術における「社会性」とは何だろうか。また仮に「社会性」という概念がはっきりと定義できる何かであるとするならば、そうした側面においてラテンアメリカと日本のコンテンポラリーアートには何か目だった相違があるのだろうか。アート制作や表現の現実的な社会へのかかわりという点で見れば、経済が長きにわたって停滞する日本においても、90年代までの経済大国というアイデンティティを問い直しながら、集合的記憶をリサーチしたり、日常のなかのこれまで看過されてきた地域固有の価値を問い直す作品が多くみられ、そこに社会性がないとは言いきれない。また、2000年代以降盛んになったコミュニティーアートでは、さまざまな批判はあるにせよアートと地域住民のかかわりを探りながら広い社会的文脈における制作表現の意味を探る試みであったと言ってよい。そうした日本のアート全般における過去十数年の傾向は、東京で展示されたラテンアメリカ出身作家の作品における社会性の表現とどう異なるのだろうか。

たしかに、明治いらい政府主導で急速な西欧化を推し進め戦後はアメリカ合衆国を範としながら経済・消費大国としてのアイデンティティーを確立した日本と、スペイン植民地支配からの独立以降、社会的不平等や大国の干渉をまえに多くの国で革命や政治的動乱を経験したラテンアメリカ、また戦後、米ソ東西対立の「無風」地帯として長期的な政治的安定や経済繁栄を享受した日本と、そうした冷戦構造がもたらす陰画としての現実(代理戦争=冷戦とは名ばかりの熱い戦争)に直面することを余儀なくされたラテンアメリカ、とくにコロンビアのような国における一般市民の社会的関心のレベルにはおおきな違いがあるのは否めないと思う。

1960年代に端を発し90年代まで熾烈を極めたコロンビア内戦はおおむね終息の方向に向かいつつはあるものの、大都市から離れた山岳、低湿地方ではいまだ犠牲者を出し続けている。批評家の椹木野衣が述べるように冷戦構造とはエアコンの室外機に喩えられる何かであるのかもしれない。つまり、快適に空調されたスペースで煌びやかな消費文化の繁栄を謳歌したのはアメリカ合衆国や西ヨーロッパ、日本などわずか数か国であり、西側資本主義社会のメディア化されつつある現実の外では冷戦とは名ばかりの熱い戦争が続いていた。

多くの日本人にとって1945年以降現在までがおおむね平和と経済成長・安定の時代であるならば、コロンビアでは左翼ゲリラとアメリカ合衆国が支援する政府軍や準軍事組織による絶え間ない暴力的衝突の時代であった。こうした文脈を鑑みるならばコロンビアのコンテンポラリーアートを日本で展示することは冷戦というコインの表裏における美術表現を真っ向から突合せる試みであるといえるのかもしれない。

2019年5月墨田区Art Trace GalleryにてオープンしたTERRESTRES展展示作品のうち、「熱い」戦争がいまだ終わらないコロンビアという国の政治的現状にもっとも直接アプローチした作品はディエゴ・クルス(Diego Cruz)氏のIn Memoriam (亡き人のために)と題されたパフォーマンスである。コロンビアでは根深い経済的不平等や内戦が多数の犠牲者を出す現状を前にこれまで多くの社会運動が生まれてきたが、これらの運動に関わったアクティビストらは多くが脅迫を受け、暗殺されてき た。エル・ティエンポ 紙の統計によるとこうした暴力がもっとも激しかった 2003 年には 1900 人を超 えるアクティビストや人権擁護団体のメンバーが殺害され、昨2018 年にも 226 人の犠牲者を出している。

作者のクルスはボゴタ出身で、2003 年前後よりアーティストとして活動をはじめる以前より労働法を専門とする弁護士として勤務し、上述のような政治的暴力の蔓延を憂慮してきた。In Memoriam 制作にあたって作者は、ボゴタ旧市街に位置するボリバル広場周辺を歩きながら、道行く人々に対してインタビューを行った。質問内容は家族や友人、知人などのうちなんらかの政治的暴力の犠牲となり命を落とした人がいるかというもので、該当する場合はライスペーパーの紙片にアチョテと呼ばれる食用の着色料でその人物の名前を書いてもらう。

こうしたフィールドワークの結果集められ、140人もの一般市民や活動家らの名前が書かれたライスペーパーの紙片を使うパフォーマンスは、極めてポエティックなものである。展示スペースで作者は一定の大きさの壁面を確保し、様々な筆跡で名前の記されたライスペーパーを水に浸し、貼り付けていく。壁面に水で貼られた紙片は場所の湿度により一定時間そこにとどまるが、やがて次々と剥 がれ床に舞い落る。壁のすぐ下には水の張られた容器が置いてあり、容器のなかに落ちた紙片は溶けてなくなる。In Memoriam においては内戦の犠牲者らの名前は水でかろうじて壁に固定されている間だけそれを見る人の前に存在する。この作品が喚起する、犠牲者の名前の一時性というテーマはコロンビアにおける集合的記憶という問題とリンクする。コロンビアの一般教育では内戦の過程で生じた政治的暴力の犠牲者の存在を忘却することなく語り継ぐことが大きな課題となっており、そこにはどこか戦後日本の平和教育と通じるものがあるようにも思える。

ラテンアメリカと日本。コンテンポラリーアートにおけるコンテクストのもう一つの大きな違いはラテンアメリカ諸国の人種的、文化的な非画一性ではないだろうか。批評家藤田直哉によれば、民族感情の対立や宗教的な摩擦が日常の一部である欧州では、 コミュニティーアートがそうしたフォルトラインを可視化し交渉するという社会的機能を負ったものであるのに対し、未だ「単一民族」神話が支配的な日本の場合はどうしても 「微温的」な内容になる。昨今の外国人労働者の急増という背景があるにも関わらず、日本ではアートにおける「社会」性といったとき、その「社会」がいまだどこか静態かつ一枚岩的なものととして構想される傾向があるのかもしれない。

TERRESTRES展に出品されたペルー出身のシェイラ・デ=ラ=クルス(Sheila de la Cruz)による「脱歴史化する」と題されたデジタルコラージュはラテンアメリカがいまだ植民地主義や新植民地主義の遺産により分断された大陸であるという事実を直截的に提示する。多くの中南米諸国の例にもれず、ペルーでもヌエ バ エスパー ニャ副王領時代に制度化されたカトリック教会はドミナントな社会階級と手を取り合い、西欧中心主義的な社会的価値を維持してきた。そうした「公式」のナラティブの中では先住民やメスチソ、そしてアフリカ系住民らのアイデンティティーは周縁化され、そのような社会的分断がもたらす政治的対立やテロリズムの 犠牲となってきたのもまたこうした文化・人種的マイノリティーの人々であった。

本シリーズで作者は副王領時代の宗教画の一部を切り取り、1980 年代以降激化する左翼ゲリラと政府軍の衝突や、そうした対立における先住民への暴力を重ね合わせる。ここではハーモニアスかつ一枚岩的な世界像を示す宗教画は脱文脈化され、スペイン人侵攻によるキリスト教の浸透もまた現在続く社会的分断の要因の一つであることが想起される。興味深いことにこれらの新しい「宗教画」は薄手の紙にプリントされ、額装されることなく展示空間に釣り糸で吊られる。これは荘厳さに重きを置く(念入りなデコレーションを施された額に収められる)宗教画の伝統にたいする作者の疑問符と読むことができる。デ=ラ=クルスの新しい「宗教」画は民族・人種的多様性に起因するラテンアメリカ的現実の複数性と協約不可能性をわれわれに突きつける。

上述のコロンビアやペルーの例にもれず、多くの国で政治的分断や暴力の蔓延に苛まれてきた中南米では、社会情勢の行方は若者を含め一般市民の大きな関心といえ、そうした関心が美術家の制作に反映されるのはごく自然だと言えるのかもしれない。また、こうしたバックグラウンドとは別にコロンビアでは、作品制作におけるコンセプトの構築やそうした知的なプロセスを通じた作家自身の存在論的側面へのアプローチを重視した実践や、単に美的観点から「良い」作品を制作するだけではなく、作品が作者によってきちんと意味づけされていることを重視するシーンが多く見受けられる。

たとえば美術家フランクリン・アギレ(Franklin Aguierre)氏がリードし、筆者の知人数人が講師を務めたボゴタ現代美術館主催の一般市民向けのアーティスト養成プログラムでは、参加者のライフヒストリーにおけるAfectación (個人の実存を揺るがすような出来事とそのインパクト)について省察した上で制作を行うことが奨励され、参加者の作品には作者による制作プロセスの説明を経てはじめてその意味を了解できるような立体作品やパフォーマンスが多くを占める。また筆者がこれまで審査員を務めた複数の高等学校における美術展では教師が生徒に対し、制作を始めるに先立って作品において取り扱われるテーマ―たとえばジェンダーの不平等や地球温暖化といった環境問題など―について念入りなリサーチを行うことを求めており、生徒は作家であると同時に自作品のキュレーションをも行うというような位置づけだった。コロンビアではアートが作家と彼/彼女が属する社会を束ねるメディアであるという認識は汎く共有されているように思う。

最後にラテンアメリカと日本におけるアートの文化的位置付けというテーマで思い出すのは革命後のメキシコに15年間滞在し、当地で学んだ美術教育の手法を日本で実践しようとした画家北川民次(1894-1989)の言葉である。民次は終戦直後の日本で自ら開いた絵画学校に通う、生徒の親らとの対話の中で、メキシコとは違い日本では絵を描くということが「才能」という概念に即座に結び付けられる傾向にある、述べている。民次によれば多くの親たちが不安げな表情で「うちの子に才能はありますでしょうか」と尋ねる。民次は次のような結論に至る。日本では社会という場が根本的に否定的なものだととらえられており、社会を個人の力によって動かすことができるとは考えられていない。メキシコでは自己省察や社会変革の有効な手段としてとらえられていた美術作品の制作が、ここでは個人的な逃避の手段に成り下がってしまっている。逃避というのはつまり、多くの日本人にとって災厄に満ちた社会という場はまるで天災のように個人を飲み込んでしまうもので、庶民の多くはそうした苦難を耐え忍んで生きるほかない。我が子にこうした苦汁を飲ませないためにはなんらかの特権的な地位が必要となる。それが美術において「才能」を認められることだというのだ。

このように創造的な実践を狭義の「才能」と結びつけることで美術と社会を切断してしまう考え方は現在も日本におけるアートの実践の中に、どこか通低音として存在するものなのだろうか。日本のコンテンポラリーアートに「社会性」が欠けているというコメントは、北川の言う日本の近代化の過程と絡むようなどこか根底部分におけるボタンの掛け違えのような何かと関連するのだろうか。ラテンアメリカのアートを日本で展示することは、来場者とともにこうした深い問いかけを行うことにつながってゆく。

「詩と思想」2019年11月号、172-175 ページ

REGISTROS FOTOGRÁFICOS, DESDE/HASIA, Pitalito-Colombia

Desde/HAsia: Des-imaginar el oriente
Centro Cultural Héctor Polania Sánchez (Pitalito, Colombia)
30 de septiembre – 18 de octubre, 2019
Artistas: Haru Nomura, Haruka Mitsuishi, Hitomi Mochizuki, Keiichi Sasaki, Kenji Tajiri, Shuji Kawano, Takaaki Kumagai, Tetsuo Kimura
Montaje: Diana Patiño, Takaaki KJ
Revisión textual: Diego Cruz
Curaduría: Takaaki KJ

Registros fotográficos, Desde/HAsia, Ibagué-Colombia.

Desde/HAsia: Des-imaginar el oriente
Galería Puerta Azul (Ibagué, Colombia)
9  – 31 de agosto, 2019
Artistas: Haru Nomura, Haruka Mitsuishi, Hitomi Mochizuki, Keiichi Sasaki, Kenji Tajiri, Shuji Kawano, Tetsuo Kimura
Revisión textual: Diego Cruz
Curaduría: Takaaki KJ

Registros fotográficos: Desde/HAsia: Des-imaginar el oriente, Pasto-Colombia

Desde/HAsia: Des-imaginar el oriente
El Nido (Pasto, Colombia)
27 de junio – 18 de julio, 2019
Artistas: Haru Nomura, Haruka Mitsuishi, Hitomi Mochizuki, Keiichi Sasaki, Kenji Tajiri, Shuji Kawano, Tetsuo Kimura
Montaje: Jennys Obando, Esteven Obando, Takaaki KJ
Revisión textual: Diego Cruz
Curaduría: Takaaki KJ

TERRESTRES:ラテンアメリカ・コンテンポラリーアートへの接点

TERRESTRES: ラテンアメリカ・コンテンポラリーアートへの接点展、今週金曜正午より公開設営を開始。メインイベントは6月1日土曜午後4時からです。東京でラテンアメリカのアートに触れる数少ない機会です。たくさんのご来場をお待ちしています!

6月1日(土)はFNCコロンビアコーヒー生産者連合会様および駐日コロンビア大使館からのご好意により本場コロンビアコーヒーの試飲イベントを行います。

会場: ART TRACE GALLERY
〒130-0021 東京都墨田区緑 2-13-19 秋山ビル1F
1F,Akiyama bldg.,2-13-19,Midori,Sumida-ku,Tokyo 130-0021,JAPAN
050-8004-6019

JR総武線両国駅東口から 徒歩9分
都営大江戸線両国駅A5出口から 徒歩5分

お問い合わせ: info@sincentro.com

協力:
栄・道工協会
MALEZA PROYECTOS
Revista Inusual編集部
駐日コロンビア大使館
FNCコロンビアコーヒー生産者連合会

コロンビアの「詩情」:コンテンポラリーアートにおける日本へのまなざし

本稿ではキュレーターとしてラテンアメリカや日本の美術にかかわってきた経験から、南米コロンビアのコンテンポラリーアートにおける「詩情」というテーマについて考えてみたい。ほんの偶然からコロンビアに住みはじめ5年が経とうとしている。コロンビアといえば麻薬カルテルの抗争、頻発する犯罪、天と地ほど開いた貧富の差など日本ではいまだに否定的なステレオタイプが拭えていない。コロンビアは親日的な国である。人々の大半が日本に対してポジティブなイメージを持っていると言ってよく(日本人を前にした外交辞令だという側面を差し引いても)、日本の文化的規律や労働倫理をk鑑として経済発展を目指すべきだと主張する人に多く出会う。日本がバブル崩壊後の長期化する経済停滞に直面し、少子化や自然災害など出口の見えない数多の問題を抱えるなか、ここコロンビアでは90年代の「旧き良き」日本のイメージがみずみずしく保たれているのである。

それにしてもコロンビア市民が親日的であるという事実は、この国における一般的な生活感覚に根源があるように思えてならない。あくまで印象論だが、人口の大半が冷涼で曇りがちなアンデスの山岳地帯に集中するコロンビアの日常風景は、「ただひたすら陽気なラテン系」カルチャーというステレオタイプから大きく逸脱する。とくに標高2600メートルに位置する首都のボゴタは年間を通して天候の変動が激しく、太陽が顔をのぞかせてもすぐに灰色の雲に隠れてしまう。若い世代の相当数がカトリック教会に半ば幻滅した社会で育ち、レイキ、アーユルヴェーダといった「東洋」的な思想や実践への興味が一般化している現在、日本への視線も(ロボット工学など最先端技術へ興味に加え)、西欧の一神教的なロジックや美学では拾いきれない不可思議な現象への関心と軌をひとつにしているかのような印象がある。

コロンビアにおけるこうした日本へのまなざしはアート作品にもしばしば表現されるようだ。本年4月(4月11日から27日まで)、筆者がキュレーターとして関わっているARCOT(Colombian Aritsts in Tokyo)はセルバンテス文化センター東京にて第三回目のコロンビアコンテンポラリーアート展を実施した。コロンビア国内向けの公募によって選出された40作余りの作品が会場を占め、オープニングには多くのアート関係者が来場した。航空輸送の制約上展示されたのは50センチメートル平方以下の平面作品が中心だが、絵画と版画、コラージュなど複数の技法を組み合わせた型破りな作品が多く、来場者からは「ラテンアメリカのイメージを裏切られとても新鮮だった」「制作の刺激になった」など多くの好意的なコメントをいただいた。

しかし実験的な作品が多いことと同等に興味深いのは、今回の展示にはコロンビア市民の日本への興味、もっと言えば「詩情」ともいうべき感覚を反映するかのような作品が何点か含まれていたことである。ここで「詩情」や「日本らしさ」の定義について詳細な検討を加える紙幅はない。賛否両論があるのを承知で私の視点を要約すれば、今回のARCOT展では、日常のなかで目にする言語化されにくい、西欧の美学理論では見落とされてしまう未分化な現象や風景などを意欲的に扱った作品が多く、興味深いことに日本文化というとしばしば連想される紙という素材を巧みに操作した作品も散見された。彼らが果たして日本での展示を意識してそうした作品に取り組んだのか、それともそれ以前に「日本的」なものに興味がありそのような表現に帰結したのか、単に個人的な背景で制作した結果を偶然ARCOTに出展することになったのか、さまざまな推測が可能である。

たとえばイバン・カルドナ(Ivan Cardona)の「圧縮された時間、圧縮された声」(Tiempo comprimido, voz comprimida)。この作品はコロンビア最大の日刊紙エル・ティエンポ(西語で「時間」という意味)と左派系の週刊紙ボス(「声」)の第一面を、長さ4cm幅3mm程度の微細な断片に切り刻み、それらを重ねながら再構築したものである。断片が重複しているため作品全体のサイズはもともとの紙面からはかなり「圧縮」されている。もしこの作品に「日本らしさ」があるとすれば、それは日々印刷されては廃棄される新聞紙という身近な素材への着目や、紙というマテリアルに着目しながらあたたかも日本庭園の「見立て」のごとく縮小する、そうした作家の手つきを指摘することができるのではないだろうか。

それにしても「時間」と「声」を圧縮するというメタファーはコロンビア出身である作者が東京という文化的他者の土地で展示をするときに不可避的に直面するプロセスなのではないかと考えると興味深い。グローバル化が極点に向かう2010年代後期の日常では通信技術の発達により「時間」が大きく圧縮されているのは言うまでもない。またインターネットにおいて「圧縮」という用語は負荷の大きい情報をzip形式等に変換するときによく使われるが、それはもとのファイルにある情報をより伝達しやすい別の(言語)形式でエンコードすることを意味する。作者による「圧縮」プロセス(切断と再構築)を経たこの作品でも、従来の新聞に書かれていたスペイン語の情報がロゴの部分をのぞきほぼ完全に解読不能となっており、本来のテクストは不可視の情報として埋没させられている。言うまでもなく情報の取捨選択は異文化間コミュニケーションにとって必須のプロセスである。多くの場合内容は「かいつまんだ」上で伝えられるほかはない。この作品は、ほとんどがスペイン語知識のない日本の読者にとって、どのように「時間」や「声」が圧縮されているのかについて、自由に想像を巡らせる快い余白を残したと言えるだろう。

日常のさりげない場面への着目という点で、同じくARCOT展にて展示されたルイサ・ベルトラン (Luisa Beltrán)の「日曜日」(Domingo, 油彩、紙)という絵画は注目に値する。この作品に描かれているのは食後の、各自が食事を終えたあとの皿やフォークが重ねられているだけのさりげない場面である。興味深いことにこの絵画は同じ「日曜日」といタイトルの「現在午後5時1分、太陽が照り二滴の雨が降った日曜日」というフレーズで始まる詩と一緒に展示された。詩作品は「一味違う」日であることを誰もが望むはずなのに、いつもモノトーンのリズムでやってきては過ぎてしまう、積み重なりやがて何時だったか見分けがつかなくなってしまう「日曜日」のことを小気味よい哀愁をこめて描いたものである。

日曜日という普遍的なテーマを扱いながら、絵画のほうはコロンビアという土地の日常をみずみずしく伝えている。詩作品が示唆する通りのんびりとした日曜日の、遅めの昼食なのだろう。大きさが不揃いで模様もバラバラな皿、そしてトトゥマと呼ばれる、瓢箪のような実の殻を使った容器。これらはまっさきにコロンビアの中流もしくは庶民の食卓を想起させる。そして皿に付着しているトマトソース、様々な方向に差し込まれたスプーンやフォーク。皿洗い機が完備されたアメリカ合衆国の中産階級の家庭などではこうした場面に目をとめることは稀であろうし、多様な形の小皿を常用する日本の家庭ではこれとはまったく違った場面になるだろう。

さりげない日常を際立たせるという目的にとって、絵画の背景が余白であることや、支持体である縦50センチ、横35センチ余りの紙の質感は重要である。こうした瞬間に着目し、ただ過ぎてしまう「日曜日」を不動化するこの作品には、2017年の流行語大賞となった「インスタ映え」、つまり携帯カメラの「ナイスフード」モードでテーブルに運ばれた食事や食卓の風景を写真に撮りいち早くSNSで共有してしまうこととは対極の視線がある。写真はいちどSNSに載ってしまえば5億人を超えるとされるインスタグラムユーザーの投稿のなかに埋没しながら、条件反射的な投票行動の対象となり、数日のうちに忘れられる。紙という身近な支持体を使い、いわば非SNSとも言えるワンシーンを切り取る試みは、詩作品にこめられた「日曜日がもっと味わい深い瞬間であって欲しい」という作者の願いと通じ合う。

本稿で論じた2作品に限らずコロンビア出身のアーティストの作品には日常のなかに「詩情」を見出すアプローチを比較的よく目にすることができる。前述したようなコロンビア社会固有の文脈をさらに掘り下げつつ、「詩情」とコンテンポラリーアートというテーマについてこんごさらなる考察を重ねてゆきたい。

「詩と思想」2018年11月号、164-167 ページ

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