Registros, Layover: Obras de arte en sala de espera + inauguración, Nodo 51

Por Colombia, Proyectos curatoriales

Les presentamos Nodo 51 – Área Cultural, el nuevo circuito de arte de los barrios Galerías, Belalcazar y Alfonso López de la localidad de Teusaquillo en Bogotá. Surge de la alianza entre artistas plásticos y visuales, galerías de arte, espacios de exhibición, colectivos artísticos, músicos, actores y bailarines, que, de forma autónoma, independiente y autogestionada, coordinan un sistema de circulación de arte contemporáneo en el sector abierto a todo el público.
 
El lanzamiento del circuito se realiza con la exposición “Layover: Obras de arte en sala de espera” que inaugura este jueves 3 de diciembre a las 7:00 pm, se presenta simultáneamente en los espacios artísticos CASADUCUARA y Maleza Proyectos y cuya curaduria fue realizada de los curadores Jennys Obando y Takaaki KJ.

Nodo 51 – área cultural está consolidado por alrededor de 25 espacios artísticos, entre galerías, espacios independientes, talleres de artista, salas de teatro, cafés y restaurantes. Debido a la actual contingencia nuestra apertura se realiza sin la participación del total de los espacios que hacen parte de nuestro proyectos, esperamos que este 2021 sea posible participarles de una oferta mas amplia.

¡Les esperamos este jueves 3 de diciembre!
(Texto por Hitzamo Beltrán y Alejandra Tashko)

2019年後期から計画してきたボゴタ随一の商業地区ガレリアス(Galerías)周辺のアートディストリクト化計画NODO51を、12月3日（木曜日）午後７時にオープンいたします。

本来はアートスペース、カフェ、シアター、タンゴ喫茶など25以上の場所や団体を巻き込みオープニングを同時開催する予定でしたが、パンデミックの規制のなか現在まで休止を余儀なくされてきました。

明日12月3日はディストリクトの核となる２つのスペースCASADUCUARA (casaducuara.com)とMALEZA PROYECTOS (Maleza Proyectos) にて、芸大I Love Youプロジェクトの支援を受けて選出したコロンビア在住作家の作品を中心とする»Layover»展を同時開催し、ディストリクトのオープニングとします。

展示作品リスト

わずか２つのスペースでのオープニングとなりますが、この状況下2020年が終わる前に小規模であっても構想を具現化させることを目指します。

LAYOVER: Obras de arte en sala de espera

Sin duda, la pandemia generada por el Covid 19 y sus subsecuentes restriccionesnos han dado una oportunidad para reflexionar sobre diversos temas en torno ala movilidad humana. Debido a una serie de requerimientos de bioseguridad, surgieron varias barreras que restringen la libertad de locomoción de las personas y productos a nivel cotidiano y global, situación que ha afectado de una u otra manera a diversos espacios de la sociedad, dentro de los cuales seencuentra el campo del arte.

En nuestro caso, a la hora de plantear, proyectar y articular un proyecto con perspectiva internacional, la incertidumbre intentaba nublar nuestros esfuerzos,ya que difícilmente se podía predecir el estado de las fronteras internacionales en el futuro cercano, no obstante el trabajo en común y una terca obstinación ha dado lugar a este proyecto que incluye en sus diversas manifestaciones un planteamiento expositivo, cuyo trayecto se puede comparar con un viaje con escalas o trasbordos, interrumpido por una serie de planeaciones, cancelaciones y reprogramaciones, que a lo largo de todo el proceso y experiencia, requiere pensamientos y reacciones flexibles y muchas veces espontáneas.

De esta manera esa aparente percepción de lentitud, en relación con la larga espera al observar que las obras de arte que deberían haber llegado a Tokio, solamente se pudieron reunir en dos espacios expositivos de la ciudad de Bogotá, me hizo recordar un viaje que también me generó dicha sensación de ser muy prolongado mientras residía en Estados Unidos de Norteamérica, en un desplazamiento terrestre, el cual recorrí en autobuses de la compañía Greyhound, con una decena de paradas y trasbordos en diferentes ciudades ypueblos, experiencia que me impresionó por su ritmo totalmente fuera del concepto ordinario de tiempo, en un país en donde se otorga la máxima prioridad a la rapidez y a la eficiencia. Entre estas escalas, existen unas más largas y demoradas en las que los pasajeros deben bajarse del bus en una espera en la sala que puede durar varias horas, en ocasiones hasta el día siguiente, las cuales son conocidas como layover.

Volviendo al proyecto que nos une, el comienzo de este viaje se produjo en el mesde marzo de 2020, cuando lanzamos una convocatoria con el apoyo de la beca interna “I Love You Project”, de la Tokyo University of Arts, con el propósito de realizar una muestra de artistas Bogotanos y Nariñenses en el espacio expositivo de dicha institución universitaria en Tokio, Japón. De esta manera el proyecto asumió los procesos de intercambio entre las escenas de arte contemporáneo entre América Latina y Asia que se habían venido desarrollando desde el año 2018, y tenía como propósito exhibir frente al espectador nipón, obras de artistas colombianos en las que se resaltan los enlaces entre producciones artísticas e investigación en torno a los contextos cotidianos y sociales, y aquellos que plantean experimentaciones creativas, aspectos que se tienden a omitir en los ámbitos pedagógicos y escenas actuales en Japón, donde el arte se concibe en términos en los que prima la creación en lo formal y la técnica, más que en una articulación de un proceso que incluya no solo la técnica, sino además una perspectiva crítica y conceptual.

En la actualidad, debido a las restricciones en el transporte aéreo desde el mes de marzo de 2020, las obras aún se encuentran en Bogotá, en una ciudad desde la cual no han podido partir, lo que se constituye en un aislamiento dentro de la red global de tránsito y transporte debido al cierre de la frontera, situación que se podría comparar con una sala de espera, o un estado pendiente para un siguiente traslado, a pesar de estar registradas junto con un pasaje aéreo para Tokio con fecha abierta, como una especie de limbo o tiempo aletargado.

No obstante los tropiezos, y pequeños dilemas que la situación ha generado, de manera muy interesante se ha concretado esta apertura a una propuesta plural con espíritu participativo, teniendo la gran fortuna y alegría de inaugurar la presente muestra, dentro del marco de nuestro emprendimiento cultural-local que hemos venido concretando desde finales de 2019, que se ha nombrado con mucho cariño “NODO 51 – ÁREA CULTURAL”, un circuito del arte desde la ciudad de Bogotá – Colombia, que busca la articulación y difusión de diversos espaciosde arte, cafés y otros espacios de índole cultural con el fin de participar de la promoción de la cultura y propiciar el intercambio artístico que incluye la activación de la economía del sector de Galerías en la localidad Teusaquillo de la capital del país.

Aunque esta vez, la inauguración se realiza con la participación de dos espacios emblemáticos para este sector, CASADUCUARA y Maleza Proyectos, en vez de 25 tal como fue planeado a principios de 2020 debido a la situación de emergencia sanitaria, esperamos que la inauguración simultanea de la muestra ¨Layover¨entre estos dos espacios en el mismo sector, brinde una nueva expectativa y experiencia acerca de exploraciones urbanas y nuevas inspiraciones en torno a las enlaces que pueden producir los proyectos artísticos en relación con la cotidianidad local.Bienvenidos!

Takaaki KJ
Curador

“Viajar en la noche era ver por la ventana del bus el cielo oscuro o lleno deestrellas, y con él la compañía de árboles corriendo a gran velocidad”
Jennys Obando

El sueño, el escondite, la comida, la memoria, el paradigma, la envoltura, elimpacto, la comparación, el recuerdo, el suponer, el auto reto, el desamor, lamelancolía, lo desconocido, las creencias, lo esperado, el anhelo, lo inesperado,los sentimientos, el asombro, la costumbre.

Quizás estas palabras se vuelvan recurrentes en la mente de quienes están en latransición de ir y venir de un lugar a otro, en medio de afanes, de la escasez detiempo, de largas esperas, de taquillas, de números, de refrescos, de paisajes, debuscar un baño, de asientos, de altibajos, de escenas que se ven en la ventana,del que se queda dormido o del que no duerme, de quien ronca y es desconocido,pero con quien se debe pasar la noche.

Layover reúne obras de artistas colombianos que muestran un procesoinvestigativo en un país que deja mucho que pensar, hablar e interpretar. Cadaobra permite encontrar una de tantas islas de intereses e intenciones de los artistas, pues se habla desde un territorio con una cotidianidad, cultura y costumbres diversas, pero también con condiciones difíciles como la guerra y conella la violencia, los desaparecidos, los cultivos ilícitos, las heridas y secuelas, laincertidumbre dentro de una realidad social común que ha tenido constantementeque seguir adelante. Así, encontramos en esta exposición un conjunto diverso deposiciones artísticas en constante transición, un layover de pausas, caminos y llegadas.

Jennys Obando
Curadora

Créditos
Museografía y Logística: Alejandra Tashko, Hitzamo Beltrán, Estey Ducuara y Yeins Gil
Corrección de estilo: Diego Cruz
Curaduría: Jennys Obando y Takaaki KJ

 

Registros fotográficos: CASAS-CAJAS-CONTENEDORES

Por Colombia, Proyectos curatoriales

CASAS, CAJAS, CONTENEDORES
ESPACIOS EN LOS TIEMPOS DE AISLAMIENTO

En su obra El universo enlatado de 1964, el artista japonés Akasegawa Gempei (1937-2014) encerró el universo. La acción comenzó al comprar una carne de cangrejo enlatada en una tienda y consumirla, luego de vaciar el contenido el artista procedió a despegar la etiqueta del producto para volver a pegarlo, pero por dentro de la lata, y la selló. De esta forma, y desde lo conceptual Akasegawa cumplió su objetivo de encerrar el universo entero. Según el artista, tras varias acciones inspiradas en Cristo (1935-2020) y Jeanne-Claude (1935-2009), de envolver objetos cotidianos, se convenció en que era un proceso sin fin, pues cada vez que forraba algún objeto, le incitaba a desafiarse con cosas más grandes y complejas, la convicción que finalmente le llevó a decidir cubrir todo el universo.

Visto desde el año 2020, en un mundo azotado por el nuevo coronavirus, la obra de Akasegawa – el contenedor de carne de cangrejo  invertido dentro y fuera –, nos parece más inspiradora que nunca. Sin lugar a dudas, la pandemia del COVID-19 y subsecuente confinamiento obligatorio ha alterado nuestra percepción de lo interior y exterior. Durante este aislamiento, en vez de transitar lugares externos, muchos de nosotros nos hemos visto obligados a observar el mundo, así como a conectarnos para socializar, y meditar sobre la existencia de nosotros mismos, siempre desde un lugar considerado como nuestro recinto privado -interior de casa-. Este proceso de observación, nos ha hecho contemplar el mundo externo como si fuera un conjunto de sitios distantes a la casa, surgiendo pensamientos y sentimientos de aquel ¨afuera¨ como objetos de anhelo colectivo que a nivel personal le otorgan significados especiales, lo que indudablemente nos genera imaginarios e inspiraciones, como si se tratara de un espacio sellado del contenedor de Akasegawa.

Teniendo en cuenta las experiencias colectivas a nivel nacional y global durante los últimos meses, esta exposición presenta una serie de trabajos realizados por artistas nacionales, cuyas investigaciones giran alrededor de la creciente inestabilidad en nuestra mirada hacia los espacios de la cotidianidad. Las obras de Javier López y María Venegas, con medios de expresión totalmente distintas, exploran el recinto de otredad, mediante la representación de las fachadas de construcciones precarias, detrás de las cuales terminamos percibiendo un espacio difícil de transitar, prohibido o sencillamente ya no existente.

Durante los días álgidos de la pandemia, se han manifestado diversas reacciones frente a la realidad de encerramiento. Como se muestran en las obras de Alexander Arteaga y Miguel Ángel Falla, una de las consecuencias del confinamiento ha sido un estallido de creatividad mezclado con una inevitable decadencia psicológica. Como podemos observar en su acción de apilar los bloques de carbón de Bairo Martínez, de alguna forma las barreras que nos encierran son límites psicológicos que el ser humano se impone a si mismo, y por lo tanto están sujetos a deconstruirse, pues, como acierta la serie fotográfica de Ovidio González, los espacios del hogar durante la cuarentena fueron sitios que desde el arte se expanden a través de intervenciones creativas.

Además del reconocimiento de nuestra vulnerabilidad, el confinamiento quizás nos haya permitido un momento adecuado para reflexionar sobre los temas en torno a la burbuja mediática, dentro de la cual vivíamos ya encerrados desde mucho antes de la pandemia. En la pieza de Janneth Rubio, se resalta el texto ¨Esta diva no está disponible en tu país¨, lo cual, hace pensar en un mensaje de error que nos rechaza a la hora de intentar descargar un contenido en internet, mensaje que repentinamente nos expulsa de los planos ficticios de comodidad.

Las obras de video de Esteban Gutiérrez y Omar Lebaza Guerrero plantean una crítica frente a dicha burbuja, pero desde una exploración en torno a los paisajes específicos de Colombia, la ciudad de Medellín y los campos del Cauca – en un país en el que muchas veces se concibe al exterior como un lugar agresivo e inseguro, debido en gran parte a una convulsionada experiencia política y social de la segunda mitad del siglo XX.

En Bogotá, a partir del mes de septiembre de 2020, el confinamiento se ha venido disminuyendo paulatinamente. No obstante, junto con la reconfiguración significativa de nuestro entorno físico y social, la experiencia de este aislamiento social, indudablemente dejará una huella permanente en nuestra vivencia, lo cual nos sigue precipitando en reflexionar sobre la fragilidad que yace en nuestro modo de existir, a la hora de visibilizar el universo enlatado en el que habitamos.

Takaaki KJ
Curador

Inauguración:  18 de noviembre 2020 en CASAUCUARA
Cra. 26 #50-94, Bogotá D.C. Colombia

Artistas participantes: Alexander Arteaga, Bairo Martínez, Esteban Gutierrez, Janneth Rubio, Javier López, María Venegas, Miguel Ángel Falla, Omar Lebaza Guerrero, Ovidio González
Museografía: Estey Ducuara
Montaje: Estey Ducuara y Yeins Gil
Curaduría: Takaaki KJ
Corrección de estilo: Diego Eduardo Cruz Prieto

¨Artificios híbridos¨Jorge Magyaroff

Por Uncategorized

¨Artificios híbridos¨ Muestra no.11, ciclo de microexposiciones. CASADUCUARA (Bogotá, Colombia), 20 de noviembre – 4 de diciembre, 2020. Artista: Jorge Magyaroff

ARTIFICIOS HÍBRIDOS
Jorge Magyaroff

En 1965, el artista japonés Shinohara Ushio (1932) copió una obra de Robert Rauschenberg (1925-2008), uno de los dirigentes del movimiento Neodadaísta en Nueva York, titulada como Coca Cola Plan (1958). Dentro del ámbito artístico en el país Nipón de la década del sesenta, época en la que se percibía una fuerte influencia norteamericana; Shinohara, más allá de buscar inspiración en la pieza de Rauschenberg, se atrevió a recrear Coca Cola Plan, de manera más fiel posible a la imagen original de la obra de Rauschenberg. Al crear su obra, Shinohara seguramente estuvo consciente de la particularidad de dicho contexto de producción en el Japón de la posguerra, una nación que acababa de concluir un largo proceso de reconstrucción desde las consecuencias catastróficas de los bombardeos masivos durante la Guerra del Pacifico (1937-1945).

El decenio de los años 1960, tras haber transcurrido dos décadas del fin de la Segunda Guerra Mundial, se caracterizó por ser un periodo en el que las industrias japonesas acababan de superar una grave escasez de materias primas propias de la era de reconstrucción. Es posible que la obra de Shinohara también se pueda entender como la perspectiva de un artista que ya era capaz de producir obras de arte de ¨alta¨ calidad comparable con las de un artista norteamericano, como si se tratara de un paralelo en la producción industrial de autos o de electrodomésticos entre las dos naciones, en un momento histórico en el que su país de origen emergía como una potencia económica en Asia, y dejaba atrás los años en los que la escasez material, afectaba fuertemente la producción tanto en las industrias como en los oficios artísticos.

La creación del artista colombiano Jorge Magyaroff, tiene elementos comunes y parece partir de la misma consciencia acerca del contexto geopolítico, social e histórico que en alguna medida pueden tanto potenciar como restringir las producciones artísticas. Magyaroff posee un gran interés en las prácticas de reciclaje y bricolaje, como una costumbre bastante arraigada en la sociedad Colombiana que de hecho se remonta a siglos atrás. En éste país en gran parte por la creatividad y en parte por una necesidad económica, en muchos hogares se realiza una práctica que hace parte de la idiosincrasia popular de no descartar objetos usados, con el propósito de mantenerlos para algún posible uso más adelante, muy distinto al cual fue creado.

Recorriendo los barrios populares, afuera de los hogares o en lugares de uso comercial, fácilmente encontramos un paisaje en el que se observan escenas de reciclaje y bricolaje, como el caso de neumáticos o llantas de vehículos usadas que cumplen varias funciones, desde servir de letreros de talleres mecánicos, hasta ser usados como elementos claves de la jardinería doméstica, como señala Magyaroff, en las periferias de Bogotá …se encuentran casas fabricadas a partir de materiales reciclados: latas que funcionan como paredes, troncos de madera que funcionan como vigas o láminas de cartón que hacen las veces de puerta.

Teniendo presente estas prácticas populares, y en vez de visualizar escenas sociales concretas, la producción de Magyaroff consiste en introducir el mismo principio de reciclaje y bricolaje en sus oficios artísticos. En sus obras cuidadosamente se plantea un estado continuo y transitorio de los materiales, allí los fragmentos de marcos, pinturas, lienzos, soportes empiezan a comportarse de manera discordante con la realidad convencional, hasta el punto de producir lo que el artista nombra como artificio híbrido, es decir, un objeto hecho a partir de los residuos de su producción, cuya funcionalidad original se trastoca y se constituye en un artefacto capaz de generar diversas sensaciones e inquietudes acerca de la concepción normativa de lo que es una pieza de arte, desde la plasticidad de sus composiciones

Las obras de Magyaroff aquí reunidas quizás se puedan ubicar dentro de un amplio espectro que yace entre los dos usos más comunes de la palabra ¨pintura¨ en castellano, siendo la primera un cuadro como obra de arte, finalizado con acabados impecables y la segunda la pintura como material liquido que fluye, y termina definiendo la apariencia de casi todos los aspectos de la infraestructura del mundo habitable, de la que una obra de arte participa ocupando únicamente sus pequeñas dimensiones.

Takaaki KJ
Curador

DAVID DIAGAMA: PANTERAS Y OTRAS FIERAS DE PAPEL

Por Uncategorized

Invitados hoy a las 7 p.m. a la inauguración con David Diagama, de nuestra deicima muestra del ciclo de microexposiciones en CASADUCUARA. Visita únicamente con cita previa: +57 312 590 1317.

Museografía: Estey Ducuara
Montaje y logística: Yeins Gil
Curaduría: Takaaki KJ
Corrección de estilo: Diego Cruz

TERRITORIO AUTO-SOSTENIBLE
DAVID DIAGAMA
2020
Óleo sobre papel preparado con vinilo

La escena llena de elementos futuristas y utópicos de la pintura Territorio auto-sostenible (2020) de David Diagama nos ofrece una vista extrañamente familiar.

El planteamiento de la pintura no permite mayor ambigüedad – la imagen gira en torno a una convivencia armónica entre humanos y mamíferos salvajes como el jaguar y el puma, dentro del bosque tropical donde habitan estos animales. Esta convivencia se plantea a partir de la intervención de últimas tecnologías, como el uso de la energía solar y autos aéreos equipados con un motor eléctrico.

Por otro lado, el panorama de la pintura nos hace recordar el típico paisaje de un país latinoamericano en sus territorios tropicales, contrastados en esta obra con la ¨tierra fría¨ que corresponde al segmento superior de la composición. Estos lugares son donde acuden varias familias del estrato social medio o medio-alto en los fines de semana para gozar de su descanso tropical.

Teniendo presente dicha posibilidad interpretativa, me parece importante recordar el hecho de que, en América Latina, adentrarse en una zona rural-tropical apartada de la influencia metropolitana, implica entrar en contacto con un recinto de otredad, o territorios culturales ajenos al pensamiento que rige al sector económicamente acomodado de la sociedad.

Como ha aclarado el antropólogo Néstor García Canclini (1939-), en América Latina la pluralidad cultural ha impedido que la modernización se concibiera como una progresión lineal del pasado al futuro; no donde lo moderno reemplazara lo tradicional, sino donde la pluralidad ha requerido una serie de intervenciones por parte de los intelectuales, para mediar diferentes temporalidades históricas que pertenecen a cada territorio cultural – la comunidad indígena entre otros.

Con dicho contexto latinoamericano en mente, las referencias futuristas de Diagama empiezan a inquietarnos con una serie de dudas.

¿A quiénes pertenecen estas escenas utópicas Territorio auto-sostenible? ¿Para cuándo vamos a tener una tecnología verdaderamente democratizada, sin el monopolio de alguna entidad multinacional y accesible para toda la comunidad? ¿Cómo podemos asegurar el compartimiento del territorio con los mamíferos salvajes, cuando seguimos defendiendo el nuestro frente a la necesidad de otras poblaciones culturalmente distantes? La tierra tropical nos seduce, pero una vez más, ¿de quiénes es la utopía que proyectamos a través de la pintura Territorio auto-sostenible?

TakaakiKJ,
Curador

Jean Barbato: Ecuaciones de doble incógnita

Por Colombia, Convocatorias/ call for works, Proyectos curatoriales

Invitados hoy a las 7 p.m. a la inauguración con Jean Barbato, de la novena muestra del ciclo de microexposiciones en CASADUCUARA. Visita únicamente con cita previa: +57 312 590 1317.

Museografía: Estey Ducuara
Montaje y logística: Yeins Gil
Curaduría: Takaaki KJ

 

JEAN BARBATO

ECUACIÓN DE DOBLE INCÓGNITA (2020)

Más allá de su interés en negociar el limite entre lo real y lo ficticio, las recientes obras de Jean Barbato nos conducen a un plano de anormalidad, donde a los objetos de uso cotidiano se le aplica una deformación contundente que, de manera irreversible, niega su funcionalidad e integridad visual como un trabajo de diseño industrial.

Barbato interviene objetos en su entorno diario, los cuales en su mayoría son elementos que, en el transcurso de la segunda mitad del siglo XX han adquirido una nueva identidad como mercancías de producción masiva, dejando atrás sus legados artesanales. Teniendo presente dicho antecedente, las piezas de Barbato desafían nuestra percepción cotidiana, pues éstas ponen en interrogación las estéticas usuales del consumismo contemporáneo, que han procurado la estandarización y esterilización visual –búsqueda de formas perfectas y superficies impecables– de mercancías, las cuales conformaron el lenguaje visual que dio origen al Arte Pop Estadounidense a principios de la década de 1960.

 En este sentido el trabajo de Barbato nos invita a reflexionar sobre algunos orígenes de nuestra sociedad actual, donde los objetos esenciales a nuestra cotidianidad se tienden a asociar con su materialidad cruda e incluso siniestra, más que relaciones sociales inmediatas a las que sus circunstancias de fabricación y utilización estaban estrechamente ligadas. Con su postura critica el artista nos hace entrever un plano visual donde la única manera de existir es estar impecable y autoreferente, o donde el impulso por normalización y la segregación de la ¨locura¨ –tomando prestada la expresión de Michel Foucault (1926-1984)– implícitamente han adiestrado nuestras pensamientos y comportamientos diarios.

Takaaki KJ, Curador

Artistas seleccionados: Convocatoria: Bogotá a Tokio

Por Colombia, Convocatorias/ call for works

Estimadas y estimados artistas, 

Durante el tiempo de cuarentena  trabajamos tratando de que  coincidan la apertura y el calendario de los espacios de exposición en Tokio y la reactivación de vuelos internacionales. Debido a que aún no hay completa certeza, nos vemos obligados a postergar la muestra en Tokio hasta el siguiente año.

En diciembre de este año realizaremos una muestra del proyecto Bogotá en Tokio con todos los artistas seleccionados, en la sala expositiva de CASADUCUARA (casaducuara.com), Bogotá. Dicha muestra se acompañará virtualmente con investigadores de Tokyo University of Arts, quienes dialogarán con los seleccionados en sus charlas.

A continuación presentamos la  lista de artistas seleccionados.

Agradecemos su paciencia y comprensión.

Jennys Obando
Takaaki KJ

CONVOCATORIA: FACHADAS EN LOS TIEMPOS DE PANDEMIA

Por Colombia, Convocatorias/ call for works

CASADUCUARA en alianza con Takaaki KJ | Proyectos curatoriales invita a la comunidad artística local e internacional a participar de la convocatoria: ¨Fachadas en los tiempos de pandemia¨, proyecto que tendrá lugar del 26 de septiembre al 28 de noviembre, 2020.

LINEA CURATORIAL:
La línea curatorial estará estrictamente ligada a nuestra cambiante percepción de los espacios cotidianos en los tiempos de la COVID-19.

JUSTIFICACIÓN:
La llegada de la pandemia de la COVID-19 radicalmente ha transformado nuestra concepción de espacio público y privado. Hoy, en vez de transitar lugares públicos – oficinas, escuelas, y restaurantes entre otros,  muchos de nosotros nos conectamos desde nuestro recinto privado a través de una cámara, para insertarnos parcialmente en un plano cuadrangular recortado por las dimensiones de la pantalla.  En nuestra cotidianidad actual, la linea que divide lo publico y lo privado es cada vez más ambigua, pues, para actuar como una persona socialmente aceptable, no hace falta acatar los protocolos tradicionales en relación con la forma de vestirse, comportamientos y la estética del espacio, sino, solo necesitamos una ¨fachada¨ – construcción de un espacio casi ficticio, recordado por algún dispositivo electrónico. Las preguntas que surgen, entre mucha otras, incluyen: Cómo estos espacios de virtualidad nos han influido nuestra perspectiva sobre lo publico y lo privado? Para nosotros es posible o no habitar en estos espacios virtuales?

QUIENES PUEDEN PARTICIPAR:
En esta ocasión CASADUCUARA y Takaaki KJ | Proyectos curatoriales convocan a artistas que desarrollen sus propuestas a partir de:

  1. Medios y métodos contemporáneos (instalación, performance, arte sonoro, video entre otros)

  2. Medios y métodos tradicionales (pintura, escultura, fotografía, grabado dibujo entre otros) abordados desde un enfoque experimental/contemporáneo.

CURADURÍA:
Takaaki KJ: Proyectos curatoriales
takaakikj.com

FECHAS IMPORTANTES:
26 DE SEPTIEMBRE, 2020: PUBLICACIÓN DE LA CONVOCATORIA

31 DE OCTUBRE 2020: CIERRE DE LA CONVOCATORIA

5 DE NOVIEMBRE 2020: PUBLICACIÓN DE ARTISTAS SELECCIONADOS

6 AL 8 DE NOVIEMBRE 2019: ENTREGA DE OBRAS EN CASADUCUARA

13 DE NOVIEMBRE 2020: INICIO DE EXPOSICIÓN

28 DE NOVIEMBRE 2019: FINAL DE EXPOSICIÓN

INSCRIPCIÓN:
-La convocatoria está dirigida a artistas de cualquier nacionalidad.

-La aplicación a la convocatoria es totalmente gratuita.

-Los aspirantes tendrán que enviar un correo electrónico titulado ¨convocatoria fachada¨a info@casaducuara.com con los siguientes documentos en un solo archivo PDF.

 1. Imágen (es) de la obra propuesta. 

 2. Abstracto o justificación conceptual del proyecto.

 3 .Portafolio con un mínimo de 2 proyectos y CV.

 4. Especificaciones e instrucciones de montaje si la obra lo requiere.

Fecha de cierre de la convocatoria: 31 de octubre 2020

ENTREGA DE LA OBRA:
-Todas las obras tendrán que entregarse en físico, en la ciudad de Bogotá en CASADUCUARA (Carrera 26 #50-94) dentro de las fechas y horas establecidas.

-Las piezas se puede entregar por correo. El costo del envío así como su devolución corre por cuenta del artista. 

DEVOLUCIÓN DE LA OBRA:
Noviembre 29 y 30, 2020, Ciudad de Bogotá en las instalaciones de CASADUCUARA.

OBLIGACIONES DEL ARTISTA SELECCIONADO:
-Los artistas ceden los derechos de uso de las imágenes para catálogos y publicidad de los eventos de exposición.

-Los artistas deben entregar y retirar sus obras en las fechas estipuladas.

OTROS DETALLES A TENER EN CUENTA:
-CASADUCUARA y Takaaki KJ Proyectos curatoriales no se hace responsable por la perdida o deterioro de obras en casos fortuitos.

-Las propuestas que no cumplen con los criterios arriba mencionado no se aceptarán.

-Los artistas que se postulen en la convocatoria se acogerán a todas las condiciones antes mencionadas, por ende el veredicto de los artistas seleccionados será inapelable.

   

Edgar Jiménez: Blaxploitation

Por Colombia, Proyectos curatoriales

¨Blaxploitation¨ Octava muestra, ciclo de microexposiciones. 17-30 de septiembre, 2020. Artista: Edgar Jiménez, Museografía: Estey Ducuara, Montaje y logística: Yeins Gil, Curaduría: Takaaki KJ

BLAXPLOITATION
Edgar Jiménez

Desde el arte, Edgar Jiménez ha investigado lo popular y sus facetas visuales, percibiéndolas no solamente como objetos de producción y consumo masivo, sino también como un terreno en el que se plantean, negocian y practican las políticas de identidad desde una cultura minoritaria. En la presente serie el artista se enfoca en las llamadas películas de blaxploitation, la producción cinematográfica poco reconocida que hizo parte de la cultura urbana afro-estadounidense durante la década de 1970.

Blaxploitation es un género que nació dentro del clima social que produjo el movimiento por los derechos civiles de los afrodescendientes durante las décadas anteriores, dentro del cual surgió un fuerte cuestionamiento sobre la desigualdad en la representación de la cultura afro-estadounidense en la cultura popular. Producida por directores negros y dirigida a la comunidad negra urbana, la mayoría de las obras de blaxploitation fueron hechas con un presupuesto limitado.

A pesar de su popularidad y el gran aporte por visibilizar a la comunidad afro-estadounidense, la notoriedad de blaxploitation acabó siendo efímera, pues, dada su representación estereotipada y sensacionalista de la población negra, y al reiterar escenas antisociales y de violencia en sus guiones, recibió de forma generalizada, una crítica desfavorable.

Teniendo presente la ambivalencia del genero blaxploitation como un medio de resistencia y una variante de lo que Theodor Adorno (1903-1969) y Max Horkheimer (1895-1973) denominaron industria cultural, el artista transfiere al lienzo las imágenes de los carteles de estas películas, los cuales fueron creados cuando esos filmes se estrenaron en Colombia, país cuya reputación internacional durante las últimas décadas nunca ha logrado desligarse de la violencia ni superar su imagen de territorio violento. El artista apunta un particular interés en que los títulos de estas películas se tradujeron al castellano de una manera tal que, hiperbolizan su cualidad violenta o sanguinaria, como es el caso de los filmes Truck Turner (1974) o Foxy Brown (1974) traducidos como Cazadores de asesinos y Escape sangriento.

Este fenómeno quizás pueda interpretarse como una ruptura dentro del discurso sobre la violencia en Colombia, pues con dichos títulos las películas se convierten en una serie de productos que dificultan reconocer que nuestra misma realidad social también se halla repleta de sucesos sangrientos, como si lo peor se encontrara siempre en otra latitud, o terreno alejado de nuestra cotidianidad, o se situase en un plano de ficción. Igualmente se omite el hecho de que el legado de resistencia entre los afro-estadounidenses, en sus luchas diarias frente a los fenómenos de desigualdad, comparte — de manera tacita — un origen común de nuestra realidad post-colonial latinoamericana, heredada de la invasión europea del hemisferio occidental.

Nacido en Valle de Cauca, región colombiana destacada por su gran diversidad étnico-cultural, Edgar Jiménez es consciente del legado africano en el país y de que las diversas propuestas de convivencia interracial muestran una dinámica social distinta a las que se han dado en Estados Unidos. Con esta serie, el artista nos invita a presenciar la dualidad de nuestra interpretación de lo popular, cuando este proviene más allá de una frontera política, y reflexionar sobre cómo las industrias culturales, al replicar imaginarios que favorecen los intereses del mercado, conducen a un plano de alienación mutua, en lugar de crear solidaridad y tomar conciencia de nuestras acciones diarias en los ámbitos locales y globales

Takaaki KJ
Curador

 

Johny C.: Pictogramas

Por Colombia, Proyectos curatoriales

¨Pictogramas¨ Septima muestra, ciclo de microexposiciones. CASADUCUARA (Bogotá, Colombia), 1-15 de septiembre, 2020. Artista: Johnny C.

Museografía: Estey Ducuara
Curaduría: Takaaki KJ
Edición textual: Ximena Veloza

JOHNNY C. PICTOGRAMAS (2016)

Óleo sobre papel / 38 x 32 cm / 2016

¿Cómo enfrentarnos con la expansión e infiltración de esferas cotidianas en las manifestaciones artísticas durante las últimas décadas y los discursos que las rodean? Me parece importante cuestionar una vez más la validez de vivir como artista en el mundo actual, de producir una “obra de arte” y de concebir la pieza de arte como un objeto autónomo y legítimo frente a esta tendencia, que constantemente ha venido desdibujando las fronteras entre el arte y la cotidianidad.

En la serie Pictograma las reflexiones de Johnny C. han girado alrededor de dicha dicotomía del arte y la cotidianidad. Las piezas, compuestas de papeles reciclados de periódico parcialmente cubiertos por manchas espontáneas de oleo , incrustadas en los marcos livianos de madera, se aproximan a una fragmentación inmediata de las paredes del espacio urbano latinoamericano, entorno en el que, como aclara el antropólogo Néstor García-Canclini (1939-), una voz autoritaria se tiende a imponer pero nunca logra acabar con diversas manifestaciones a nivel popular, las cuales constantemente han socavado la coherencia de cualquier proyecto de ordenamiento territorial. Más que hablar de los paisajes callejeros bogotanos desde el punto de vista estético, las piezas en esta serie pretenden dejarse asimilar en el caos cotidiano hasta el punto de liberarse de su peso existencial como una obra de arte.

A través de sus proyectos Johnny C. ha investigado arduamente la vida local contemporánea de su país natal, Colombia, donde para muchos de los ciudadanos, el impulso por vivir encerrado en la burbuja de comodidad, concepto proveniente del consumismo norteamericano, es amenazado por una necesidad de convivir con otro tipo de realidades – violencias, desplazamientos de la población rural, injusticia en la repartición de riqueza económica debido a la generalizada costumbre de corrupción, etc.

En este sentido, el papel periódico quizás sea el plano de exploración más adecuado para el artista, siendo el último un espacio en el que se ven reflejados nuestros comportamientos diarios tan diversos y contradictorios, desde escoger el color del I-phone X que anhelamos adquirir, hasta argumentar cuáles son nuestras acciones más radicales frente al gobierno de un país repleto de realidades tan incoherentes y desiguales.

Takaaki KJ
Curador